«Ditemi perché non volete esporre il ritratto di Dorian Gray. Ditemi la ragione vera.»

«Vi ho detto la ragione vera.»

«No, voi diceste che nel ritratto è rinchiusa troppa parte di voi stesso. Questo è infantile.»

«Harry,» disse Basil Hallward, guardandolo fisso in viso «ogni ritratto dipinto con amore, è il ritratto dell’artista, e non del modello. Il modello non è che l’occasione, un pretesto. Non è il soggetto che viene rivelato dal pittore. È il pittore che, sulla tela dipinta, rivela se stesso. Non voglio esporre il quadro, perché temo d’aver palesato in esso il segreto dell’anima mia.»

Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray

Senigallia, 1 agosto 2024

C’è una fotografia che non se la sta passando bene.

Il progresso tecnologico ha portato diffusione e democrazia e ci aveva illuso che sarebbe andata diversamente. Venti anni fa o giù di lì, le barriere all’ingresso di natura economica stavano crollando e qualsiasi sapere sarebbe stato liberamente disponibile attorno a noi. Cos’altro chiedere?

Come spesso accade l’indicazione non era riportata in etichetta o era riportata a caratteri piccolissimi e, frettolosi ed ebbri di ciò che stava crescendo attorno a noi, non ci siamo soffermati con la dovuta attenzione. Ora paghiamo lo scotto di un collettivo non saper discernere.

Manca all’appello la capacità critica, risorsa scarsa per eccellenza. Le informazioni sono tante e sono lì, prêt-à-manger. La capacità critica al contrario richiede tempo e devozione per formarsi ed essere alimentata.

Non si tratta di cosa né di quanto. È una questione di come, laddove il come è importante sia deontologicamente sia per il rispetto dovuto all’interlocutore.

Se non si presta attenzione al come, finisce che poi tutto valga. Anche il colpo di culo, per dire. Senza adeguata capacità critica non c’è filtro. Photoshop, ma anche no. Pellicola, ma anche no. Quello lì è bravo, ma anche no.

Questione di gusti, no?! No, non lo è affatto.

La fotografia non è democratica, almeno non nell’accezione populista in voga. L’uno vale uno non è contemplato. Esiste la buona fotografia ed esiste tutto il resto. La prima è cosa rara. La linea di demarcazione passa per l’intenzione e per il come.

Produrre buona fotografia richiede onestà intellettuale in primis verso sé stessi. La fotografia che produciamo deve riguardarci. Pubblico, critica, soldi e fama vengano dopo, se mai arrivino. Ciò non significa sminuirne l’importanza ma l’autorialità deve essere la priorità.

La tecnica è la grammatica. Senza conoscerla non potremmo scrivere. Ma da sola non fa il racconto. Tutt’al più un lezioso esercizio di stile fine a sé stesso.

Occorre una storia, una visione e una memoria da riversare più o meno direttamente, dove il “più o meno” si riversa a sua volta sulla cifra espressiva e sul linguaggio. Non possiamo far altro che scrutarci internamente, che è poi la forma primigena, essenziale e pura dell’atto del guardare.

Anche quando la materia ripresa è biologicamente o fisicamente altro da noi, la narrazione che stiamo costruendo ci dovrà appartenere.

Narrare richiede un linguaggio che è un sistema fondato su una matrice composta da elementi endogeni ed esogeni applicati alle esperienze che ci hanno intrisi e ad altro che abbiamo appreso, selezionato e fatto nostro, sicché alla fine la nostra fotografia ci somigliasse, fosse il nostro racconto, rappresentasse la nostra visione.

Tutto ciò è impopolare, richiede dedizione assoluta e produce meno pixel, meno fotografie e spinge ipoteticamente verso una compressione della domanda.

Occorre denudarsi. Molti se ne allontanano o cercano scappatoie che non trovano se non solo apparentemente, perché non ce ne sono. Meglio divergere se non si avverte una necessità urgente e non si è disposti a ciò.

In anni in cui la tecnologia a disposizione della fotografia ha fatto passi da gigante, un confronto tra tasso di sviluppo dell’indotto fotografico ed aumento della disponibilità di buone fotografie deluderebbe molti. Ne uscirebbe un business non sostenibile che non troverebbe né banche né investitori disposti a foraggiarlo.

L’indicatore “buona fotografia” esce depresso dal confronto a causa di un nostro errore sostanziale: stiamo dirigendo lo sguardo dalla parte sbagliata, stiamo rapportando grandezze non correlate tra loro. Il mercato non ha il nostro stesso obiettivo. Al mercato non interessa produrre buona fotografia.

Il progresso tecnologico che ha avviato la diffusione di una fotografia universalmente approcciabile non ha generato un aumento proporzionale di buone produzioni fotografiche né ha sostenuto la formazione della capacità critica individuale necessaria a discernere, perché non è questo ciò cui ambisce.

Tra shock finanziari con ciclicità opposte e guerre nel sud del mondo per il controllo delle materie prime, la fotografia ad alto contenuto tecnologico è un mercato tutto sommato in buono stato di salute che ha sottratto quote all’entertainment e creato indotti nel turismo, nell’educational, coinvolto personaggi influenti e portato al grande pubblico tecnologie fino a quel momento riservate ad una nicchia di professionisti o di facoltosi amatori.

Diciamo quindi “fotografia” ma è evidente che pur usando lo stesso vocabolo non si parli della stessa cosa.

Lungi il voler deprecare un mondo che genera indotti e produce risvolti positivi sulla vita e sul lavoro delle persone, se tuttavia gli interessi non collimano è auspicabile che ognuno persegua i propri ed imbocchi la propria strada.

Se qualcosa sentiamo di dovere alla fotografia per ciò che ha rappresentato nel nostro percorso e rappresenta tuttora nella nostra esistenza, questo è un atto dovuto.

L’importanza del come, il ruolo del linguaggio nella produzione di buona fotografia, rappresentano in estrema sintesi il paradigma su cui l’autore fotografo deve confrontarsi.

«La fotografia è una cosa semplice. A condizione di avere qualcosa da dire.»

«Ogni immagine è il ritratto mio, come se avessi fotografato me stesso.»

Mario Giacomelli

Nel giorno che avrebbe visto il suo novantanovesimo genetliaco, l’invito è a fare nostre le parole di Mario, maestro di buona fotografia, il cui racconto è giunto a noi attraverso il suo linguaggio che si è spinto oltre la fotografia, con un come consapevole e ben presente.

bianchi più bianchi, neri più neri è uno degli appunti tecnici che Mario lasciava per la stampa ed incarna precisamente l’estremizzazione dei contrasti, spinti fino alla soglia grafica, al limite del binario.
Un cardine della sua grammatica.

«Well, I will tell you what it is. I want you to explain to me why you won’t exhibit Dorian Gray’s picture. I want the real reason.»

«I told you the real reason.»

«No, you did not. You said it was because there was too much of yourself in it. Now, that is childish.»

«Harry,» said Basil Hallward, looking him straight in the face, «every portrait that is painted with feeling is a portrait of the artist, not of the sitter. The sitter is merely the accident, the occasion. It is not he who is revealed by the painter; it is rather the painter who, on the coloured canvas, reveals himself. The reason I will not exhibit this picture is that I am afraid that I have shown in it the secret of my own soul.»

Oscar Wilde, The Picture of Dorian Gray

Senigallia, 1^st of August 2024

One kind of photography is not performing well.

We were deluded by technology-driven democratisation and dissemination as they illude us that things could have been different. Economic barriers to entry were collapsing, and we believed that all knowledge would be freely available. What more could we ask for?

But the label either did not indicate this or provided the information in small print. We were in a hurry and distracted by our surroundings, so we did not pay the due attention. Now, we are suffering the consequences of our failure to discern.

Critical thinking is a scarce resource, and it is lacking.

The knowledge is readily available, but developing critical thinking skills requires time and dedication. It’s not a matter of what or how much, it’s rather about the way it should be done. It is important from a deontological point of view and out of respect for the users of our images.

Without paying attention to the way, anything and everything is allowed and accepted. Also the stroke of luck, just to say. If critical capacity is lacking, there is no filter.

Use Photoshop or not, shoot film or not. This is a good one or not.

It’s all a matter of personal taste, isn’t it? No, not at all.

Photography is not democratic. The idea of ‘one is worth one’ is not taken into consideration. There is good photography and all the rest. Good photography is rare and depends on the photographer’s intention and approach.

Intellectual honesty towards oneself is essential for producing good photography. We should not be concerned with the audience, criticism, money, or fame, as they come later, if at all. Authorship must be our priority when producing photography. This does not diminish their importance, but it is essential to focus on authorship.

Technique is undoubtedly important; it is the foundation of grammar, without which we could not write. However, it alone does not make a story. At best, it is a lazy exercise in style for its own sake.

What is needed is a story, a vision, and a memory to pour out more or less directly. The ‘more or less’ spills over into the expressive cipher and language. We can only scrutinise ourselves internally, which is the primal and essential form of the act of looking. Even if the pictured material is biologically or physically different from us, we must construct a narrative that belongs to us.

Narrating requires a simple language system based on endogenous and exogenous elements. Knowledge and experiences shape our language, and we select and make it our own. In the end, our language transmits our vision and tells our story.

In years when photographic technology has made significant progress, comparing the rate of development of the photographic industry to the increase in the availability of good photographs would yield disappointing results. A non-sustainable business that would find neither banks nor investors willing to subsidise it would be the outcome.

The comparison shows a depressed ‘good pictures’ indicator due to a fundamental mistake on our part. We were comparing magnitudes that are not correlated. The market’s goal is not the same as ours, and it is not interested in producing good photography.

The spread of universally approachable photography has not led to a proportional increase in good photographic productions. Furthermore, it has not sustained the individual critical capacity needed to discern. This is not the desired outcome.

Despite financial shocks and wars for the control of raw materials, the high-tech photography market remains healthy. It has eroded the share of the entertainment market, created new opportunities in tourism and education, involved influential personalities and made available to the general public technologies previously reserved for a niche of professionals or wealthy amateurs.

Although we use the same word, it is clear that when we say ‘photography’, we are not referring to the same thing.

It is not my intention to criticize a world that creates incentives and has positive effects on people’s lives and wealth. However, when interests do not align, it is preferable for each individual to go his own way.

If we acknowledge what we owe to photography for its representation of our journey and continued significance in our lives, we must act accordingly. Good photography production relies on the role of language and on the way. This represents the paradigm that photographers must confront.

«Photography is a simple thing. Provided you have something to say.»

«Each image is a portrait of me, as if I had photographed myself.»

Mario Giacomelli

On what would have been his 99th birthday, we would like to adopt the words of Mario, a master of photography, whose way and language has transcended the medium, that has consciously gone beyond photography.

bianchi più bianchi, neri più neri (that means “make highlights lighter, make shadows darker”) is one of the wording usually found on the technical notes that Mario jotted down for the printing process and that precisely embodies the extreme nature of contrasts, pushed to the graphic threshold, to the limit of the binary.
A keystone of his expressive style.